Le mie riflessioni sul timing e sul groove sono il frutto di anni di studio con grandi musicisti, che mi hanno insegnato l’importanza di entrambi questi aspetti, e di un’esperienza diretta sul campo, sia in performance dal vivo che nell’insegnamento. Queste esperienze mi hanno permesso di capire che la musica non si limita a un’esecuzione tecnica, ma è soprattutto un’esperienza emozionale da condividere con chi suona e con chi ascolta.

Il concetto di timing è relativamente semplice da spiegare rispetto a quello di groove. Quando un musicista viene descritto come dotato di un buon timing, significa che è in grado di mantenere un tempo costante, senza accelerare né rallentare. Ad esempio, se una canzone inizia a 98 bpm, l’esecuzione del musicista si mantiene esattamente su quel tempo fino alla fine. Questo può essere facilmente misurato con un metronomo o seguendo il ritmo.

Il groove, invece, è qualcosa di ben più sottile, quasi un’emozione. Se un brano ha un buon groove, significa che evoca una sensazione positiva, che fa stare bene. Il groove è una sensazione che si percepisce a livello emotivo. È qualcosa che nasce dentro un musicista, dalla sua capacità di “sentire” la musica mentre la suona. Quando un musicista riesce a suonare con un buon groove, questa sensazione si trasmette non solo ai colleghi della band, ma anche al pubblico. Se ti senti bene suonando un determinato pattern o tempo, quella sensazione di benessere sarà comunicata.

In effetti, il groove è un concetto profondamente individuale, difficile da definire con precisione. Se stai cercando un buon groove, devi fare affidamento sulle tue sensazioni. E proprio per questa ragione, è normale che molti musicisti si trovino a chiedersi: “Questo è il groove giusto? O forse no?” Ma la risposta non è mai definitiva, perché la percezione del groove è soggettiva e cambia in base a chi lo ascolta e a chi lo suona.

Una delle ragioni principali per cui gli esseri umani amano fare musica è proprio questa sensazione di benessere che si crea nel suonare insieme. Questa “magia” del groove è uno degli aspetti più affascinanti dell’esperienza musicale. In ogni performance, che si tratti di una prova o di un concerto, il batterista ha la responsabilità di mantenere un buon timing e, al contempo, di infondere il groove nella musica, creando una connessione emotiva con il pubblico.

Esercitarsi e suonare dal vivo: una differenza fondamentale

La differenza tra esercitarsi e suonare dal vivo è fondamentale. Quando ci si esercita, si affrontano passaggi che non si riescono ancora a suonare correttamente o che nel suonarli non ci si sente completamente a proprio agio. L’approccio è analitico: si lavora per migliorare la tecnica, il timing e la precisione. Ma quando si suona dal vivo, l’obiettivo principale è sentirsi bene. Non si cerca necessariamente la perfezione tecnica, ma il coinvolgimento emotivo, la sensazione di “essere nel momento”. È una performance che nasce più dall’istinto che dall’analisi.

Purtroppo, non sempre le cose vanno come previsto. Pensieri distruttivi, come “Il groove era meglio ieri?”, “Il tempo è giusto?”, “Forse ho suonato una nota sbagliata?”, possono interferire con la performance. Questi pensieri sono il nemico del groove, che nasce invece dal rilassamento e dall’improvvisazione, dal flusso naturale del suonare insieme.

Anche se il batterista ha una grande responsabilità nel mantenere il timing e nel coordinare il gruppo, non è l’unico responsabile del ritmo. Il groove è il risultato di una comunicazione collettiva tra tutti i membri della band. Ogni contributo musicale ha una relazione ritmica che, se ben armonizzata, contribuisce a creare una performance memorabile. Certamente, i batteristi hanno un ruolo chiave, ma il groove è frutto della sinergia di tutti i musicisti.

Il tempo perfetto: un mito?

Un’ottima performance musicale non dipende necessariamente dal timing perfetto. È più importante che la musica “suoni” bene, che scorra e che ci sia un legame emotivo tra i musicisti e il pubblico. Il timing perfetto non fa automaticamente una buona performance, e anche un piccolo slittamento nel tempo può dare alla musica un’energia particolare, se il groove è quello giusto.

Prendiamo ad esempio le canzoni degli Earth, Wind & Fire come “Settembre” e dei The Crusaders con “Street Life”. Entrambe le canzoni accelerano notevolmente nel corso della performance, ma questo non le rende meno groovy o meno piacevoli. L’importante è che la band sia consapevole del cambiamento e lo segua con l’intenzione di far “suonare” meglio la musica, piuttosto che preoccuparsi della precisione assoluta del tempo.

Alcuni musicisti, purtroppo, diventano troppo ossessionati dal timing perfetto, forse perché è qualcosa che si può controllare facilmente. Ma la musica è un campo emozionale e artistico, e non può essere definita solo da parametri tecnici. Se il musicista si concentra troppo sul “fare tutto giusto”, rischia di perdere di vista la bellezza e l’espressività della musica.

Il groove dal vivo: senza click più libertà!

Quando si suona dal vivo, specialmente senza click (metronomo elettronico), i musicisti si trovano a rispondere ai segnali degli altri membri della band. Il groove si costruisce sulla spontaneità e sull’interazione musicale. Se un musicista vuole accelerare o rallentare, può farlo liberamente, senza essere vincolato al click. Questo porta a una performance più naturale, in cui ogni elemento musicale si adatta al “senso del momento”.

Molti artisti, però, continuano a utilizzare il click durante i concerti o in studio, ma questo non significa che il groove venga sacrificato. Se il click aiuta a mantenere un tempo costante, la capacità di un musicista di reagire ad esso senza diventare troppo rigido è essenziale per mantenere una sensazione di “movimento” e “flusso” nella musica. Suonare senza click non significa rinunciare alla precisione, ma significa avere più libertà espressiva.

Il tempo e l’adrenalina: come l’adrenalina influisce sul groove

Un altro fattore che influenza il tempo e il groove è l’adrenalina che i musicisti sperimentano durante un concerto dal vivo. La tensione e l’eccitazione di suonare per un pubblico possono far sembrare il tempo più veloce di quanto non fosse in sala prove. L’adrenalina aumenta l’energia e la spinta musicale, ma può anche far cambiare la percezione del tempo.

Quando si suona con il clic, può capitare che il tempo sembri più lento rispetto alla sala prove, ma senza di esso, tutto sembra “a posto”. In ogni caso, è importante rimanere in sintonia con il gruppo e reagire agli altri musicisti, piuttosto che restare bloccati nel cercare un timing perfetto.

La mia esperienza

Come ho già detto, fondamentalmente suono dal vivo senza click. In alcune situazioni, però, ho sperimentato l’uso del click per risolvere divergenze di percezione del tempo all’interno della band. Ad esempio, durante alcuni concerti, i membri del gruppo avevano opinioni contrastanti sulla velocità di un brano: alcuni lo percepivano come troppo veloce, altri troppo lento.

Per verificare la reale stabilità del tempo, ho deciso di suonare un pezzo con il click senza dirlo a nessuno. Durante una serata particolarmente intensa, ho dato il via al brano esattamente alla stessa velocità delle esibizioni precedenti, ma alcuni musicisti hanno percepito il tempo come troppo lento. Alla fine del concerto, uno di loro mi ha fatto notare questa sensazione, ed è stato interessante rivelare che in realtà il tempo era identico e regolato dal click. Questa esperienza ha dimostrato quanto la percezione del tempo possa essere influenzata da fattori come l’energia del momento e l’adrenalina.

In un’altra occasione, ho sperimentato una strategia diversa per gestire il tempo durante un concerto. Utilizzavo un drum machine per il conteggio iniziale, che veniva ascoltato nelle cuffie da tutti i musicisti. L’idea era di avviare il brano con il tempo esatto e poi proseguire senza click. Tuttavia, questa soluzione non ha funzionato come previsto, perché ogni musicista aveva una percezione leggermente diversa del tempo e, nelle prime battute, la sensazione era di instabilità. Dopo alcuni concerti, ho deciso di modificare il metodo, eliminando il drum machine dopo il conteggio iniziale, dando priorità alla coesione della band piuttosto che alla rigidità matematica del tempo.

Se è necessario suonare un concerto con un click, funziona meglio se tutti i musicisti possono sentirlo chiaramente e hanno un’elevata disciplina ritmica. Tuttavia, la vera domanda è quanta disciplina sia necessaria per trasmettere emozioni sul palco. In definitiva, è l’emozione che colpisce il pubblico.

La sala prove è il luogo ideale per lavorare sodo e sviluppare la disciplina. (Suggerimento generale: ora continueremo con esercizi pratici).

Esercizio 1 – Tempo e groove

In linea di principio, qualsiasi forma di pratica sui groove migliorerà il tuo senso del tempo e la qualità del groove stesso. Se vuoi concentrarti in particolare sul tempismo, dovresti suonare pattern che siano tecnicamente semplici, in modo da poter focalizzare tutta l’attenzione sul tempo e sul groove.

Prenderemo semplici groove in ottavi e li suoneremo a diverse velocità, tra 60 bpm e 180 bpm. La cosa positiva dei groove in ottavi è che possono essere eseguiti in un ampio range di velocità senza dover modificare lo schema.

È superfluo dire che dovresti assolutamente esercitarti con un click. Trovo che un drum machine sia la migliore alternativa. È molto più utile rispetto a un normale metronomo o a un computer per una serie di motivi.

Per migliorare il tuo senso del tempo, suonare semplicemente con un metronomo che segna ogni quarto di battuta non è sufficiente. Il drum machine si assume la responsabilità del tempo, ma dovresti essere tu a farlo.

Ciò di cui abbiamo bisogno sono pattern di click con pause prolungate, durante le quali il drum machine continua a funzionare ma rimane in silenzio. Devi continuare a suonare durante queste pause e, con un po’ di pratica, riuscirai a mantenere il tempo corretto quando il drum machine riprenderà a suonare.

Istruzioni pratiche

1. Seleziona il pattern di click 1 sul tuo drum machine e imposta il tempo a 60 bpm. Suona il groove più volte finché non ti senti sicuro con il click.
2. Passa al pattern di click 2: qui il drum machine suonerà il click solo nella prima battuta, mentre nella seconda battuta sarai tu il responsabile del tempo.
3. Infine, passa al pattern di click 3: qui il drum machine non ti darà più alcun riferimento temporale, lasciandoti la totale responsabilità di mantenere il tempo.

Se noti che non riesci ancora a mantenere il tempo, continua a cambiare tra i diversi pattern di click.

Esercizio 2 – Tempo e groove

Molti batteristi conoscono il problema di nuove relazioni tra groove e difficoltà tecniche: può trattarsi di esercizi per sviluppare l’indipendenza, nuovi fill o nuovi groove. Dovresti anche esercitarti con groove che non presentano particolari difficoltà tecniche, ma che comunque non risultano ancora particolarmente solidi quando li suoni. Per far sì che un groove suoni davvero bene, devi sentirti completamente a tuo agio con esso. Se ti imbatti in un groove che fatichi a suonare con naturalezza nella tua band, esercitati con quel groove esattamente alla stessa velocità a cui lo suoni con loro.

Esercizio 3 – Suonare con i CD

Un ottimo esercizio per il groove è suonare insieme ai CD. Dopo aver suonato per un po’ con il CD, prova a suonare lo stesso groove senza il CD per verificare se riesci a mantenere la stessa sensazione di groove anche senza il supporto della registrazione.

Se hai difficoltà, esercitati con il groove utilizzando i Click Pattern 1-3 e poi applica lo stesso metodo dell’esercizio 2:

1. Disattiva il click per un certo periodo.
2. Continua a suonare.
3. Riattiva il click e verifica se hai mantenuto il tempo.

Suggerimento pratico

Se dedichi circa 20 minuti al giorno agli esercizi di timing e groove, migliorerai notevolmente il tuo senso del tempo e il tuo groove. Più groove eserciti in questo modo, più migliorerai anche tutti gli altri groove. Noterai che, dopo un certo tempo, inizierai a sentirti completamente a tuo agio con il groove. Questo processo può richiedere alcune settimane, quindi concediti tutto il tempo necessario. Considera questi esercizi come una forma di meditazione!

Conclusioni: il groove è un viaggio

Alla fine, il groove è una questione di esperienza e sensibilità. Non esistono regole rigide, ma un costante miglioramento attraverso la pratica e l’ascolto attento di se stessi e degli altri. Ogni musicista sviluppa il proprio concetto di groove, e il viaggio musicale non finisce mai. È un processo continuo, che si arricchisce con ogni performance, ogni prova, ogni nuova interazione.

Il timing è importante, ma senza un buon groove, anche il miglior timing rischia di sembrare sterile. La chiave è trovare quel punto di equilibrio tra precisione ed espressione, tra tecnica e sentimento. L’unione di questi due elementi è ciò che rende una performance musicale veramente speciale.

Nella mia scuola di batteria, questi aspetti vengono curati con particolare attenzione, grazie a esercizi mirati che aiutano gli studenti a sviluppare un buon timing, sia con il click che senza, e soprattutto a trovare il proprio groove personale. Il nostro obiettivo è proprio questo: non solo imparare a suonare con precisione, ma anche imparare a “sentire” la musica, a mettersi in sintonia con gli altri e con la propria emotività, per far sì che ogni performance diventi un’esperienza unica.